Jazzaldia (IV)

Marcus Miller y Vienna Art Orchestra

MARCUS MILLER ELECTRIFICA LA TRINIDAD Y VIENNA ART ORCHESTRA SUSCITA INDIFERENCIA
(publicado el 27 de julio de 2007)

Sólo su habitual sombrero negro evita que Marcus Miller pase totalmente desapercibido mientras camina por la calle 31 de agosto antes de sumergirse en el backstage de la Trini. Sus tejanos y su camiseta negra le confieren el aspecto de un tipo normal, pero no lo es en absoluto. Ha participado en más de 400 grabaciones como músico de estudio con artistas como Aretha Franklin, Frank Sinatra o Bryan Ferry, aunque su mayor logro fue entrar en la banda de su admirado Miles Davis y componer y producir discos para él cuando sólo era un veinteañero.

Con este currículo se presentó el jueves en un trepidante y eléctrico concierto que arrancó con Blast , título de su último álbum. El invento sonó atractivamente moro y el saxo de Keith Anderson le dio un color free a la cosa. Prosiguieron los riffs y los punteos imposibles con una revisión del Higher Ground de Stevie Wonder, y continuaron con un tema de Miles Davis, Jean-Pierre . La irreparable ausencia del trompetista fue suplida por el solvente imitador Michael Stewart.

En Panther se dieron cita todos los ingredientes de la inquieta y mixturada propuesta del bajista: funk, mucho funk, pero también jazz, groove y unas pinceladas de rock. No en vano, muchos consideran al neoyorquino el Jimi Hendrix del bajo y no falta quien pone a Miller a la altura del mismísimo Jaco Pastorious por su increíble técnica: controla como nadie el slap -acto de percutir las cuerdas del bajo con el pulgar- y su pegada es siempre certera.

Es capaz de tocar media docena de instrumentos, entre los que figura el clarinete bajo con el que abordó de forma maravillosa y embriagadora When I Fall in Love . Regresó al bajo y se detuvo en un juguetón Come Together que fue reconocido en el acto por el público beatlemaniaco , y en los bises cantó con voz de falsete la quedona balada Boomerang , incluida en M² , el álbum con el que ganó el Grammy al mejor disco de jazz contemporáneo en 2001.

Remató el bolo a la perfección, invocando nuevamente al espíritu de San Miles con Tutu , uno de los temas que Marcus Miller compuso y produjo para el álbum homónimo que el trompetista lanzó en 1986, en las postrimerías de su carrera. El fin de fiesta fue perfecto, rítmico, marchoso: el Fender de Miller dialogó con la curiosa sección de vientos, que también incluía a la armónica de Grégoire Maret, y con la atronadora batería de Poogie Bell y los teclados del incansable Bobby Sparks.

desbandada general En la segunda parte actuó la Vienna Art Orchestra, considerada la principal big band de toda Europa. Han pasado ya 30 años desde que su director, el suizo Mathias Rüegg, la fundara, y desde entonces nuevos músicos han ido entrando y saliendo de ella.

No cabe duda de que es una formación con solera y con un plantel de músicos espectaculares, pero su actuación de ayer suscitó cierta indiferencia. Es posible que algunos de los que pusieron pies en polvorosa tuvieran prisa por llegar a la descarga de rock progresivo de Van Der Graaf Generator en el Victoria Eugenia, pero la desbandada dejó la Trini con la mitad del aforo vacío.

No faltó, empero, un buen número de incondicionales que aplaudieron a rabiar la variedad de estilos por los que transitó la Vienna Art Orchestra: los ritmos de las big bands de los años 40 y 50, la música latina y unos apuntes de jazz en su vertiente más eléctrica. El momento más aplaudido llegó en el único bis, cuando sólo tres de los veinte integrantes del grupo -dos clarinetes y un triángulo- regalaron una hermosa y acelerada tarantela que puso en pie a los espectadores. ¿Menos es más?

Jazzaldia (III)

Richard Galliano y Chick Corea/Gary Burton

COREA-BURTON, O CÓMO CAMINAR SOBRE EL CRISTAL SIN ROMPERLO
(publicado el 27 de julio de 2007)

La relación entre Chick Corea y Gary Burton nació de la improvisación, palabra intrínsecamente ligada al jazz. Ambos intérpretes, pianista y vibrafonista, participaron en una jam session en Munich, recién estrenados los años 70. Pasaron sólo unos meses hasta que el sello alemán ECM les llamara para proponerles una grabación conjunta que vio la luz en 1972 bajo el sugerente título Crystal Silence .

Desde entonces, han protagonizado más colaboraciones discográficas y han realizado varias giras internacionales. Como la que el miércoles les condujo a la Trinidad, donde ofrecieron un recital marcado por la sobriedad y el virtuosismo.

Aunque el concierto tuvo como objetivo conmemorar los 35 años de la edición de Crystal Silence , las primeras piezas que abordaron fueron Love Castle y Native Sense , incluidas en un disco de duetos que Corea y Burton lanzaron en 1997.

El duende que desde hace tiempo habita en el interior de Corea le puso a batir palmas al inicio de Alegría , una nueva composición que ha escrito específicamente para el dúo con Burton inspirándose en ritmos flamencos. Aunque Chick es un jazzman mucho más mediático que su compinche, no tuvo mayor problema en compartir protagonismo con él a la hora de introducir los temas que iban a tocar.

"Es la hora del be bop", sentenció Burton antes de abordar su particular homenaje a Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Tras No Mystery , otra pieza de Corea revisitada junto a Burton en el citado álbum Native Sense: The New Duets (1997), deleitaron con una hermosa revisión del Waltz for Debbie de Bill Evans.

Y reservaron Crystal Silence para el ecuador del recital. Era el momento de recordar el trabajo que los reunió por vez primera hace tres décadas y media. Como el resto de las piezas, sonó excelente. La maestría de Gary Burton con las cuatro mazas del vibráfono -sostiene dos en cada mano- halla el acompañamiento ideal en la sutileza con la que Chick Corea acaricia las teclas del piano. Su música se sabe delicada, frágil, y ambos intérpretes parecen caminar sobre un fino cristal que no llega a romperse.

Decía el eslogan de la discográfica ECM que el suyo era el sonido más bello después del silencio. Y así fue el miércoles. A pesar del estruendo que suelen armar algunos miembros de la vecina Sociedad Gastronómica con sus voces, platos y cubiertos, el público de la Trini guardó un respetuoso silencio, sabedor que asistía a un espectáculo único y pleno de sensibilidad donde la música, cristalina, fluye libre, sin ataduras, como un dulce arrullo que se abre paso entre el silencio.

Sólo el final de la sesión adquirió un tono más festivo. No podía ser de otra forma, pues el tándem Corea-Burton retomó los aires latinos para animar la velada con temas como La Fiesta o Armando's Rhumba . Y en los bises no faltó la sorpresa que sólo conocían quienes leen diariamente estas crónicas: el percusionista brasileño Rubem Dantas subió al escenario con su cajón y consiguió que la noche fuera, si cabe, más alegre.

genial galliano Antes del virtuoso dúo había pasado por la Trini el quinteto Tangaria, comandado por el músico francés Richard Galliano, considerado, con razón, heredero directo de Astor Piazzolla. Cualquier incauto que mantenga sus prejuicios en torno al acordeón debería asistir a un concierto así para desterrarlos. Unas veces suena parisino y otras argentino, balcánico y hasta latino, pero siempre resulta arrebatador. Lo fue desde el inicio, con melodías sinuosas, nostálgicas, románticas y siniestras. Destacó el buen hacer del veloz violinista Alexis Cárdenas con quien, además de interpretar temas como Tango pour Claude , Chatpître o Spleen , Galliano tributó el preceptivo homenaje al maestro Piazzolla y su inmortal Libertango .

Jazzaldia (II)

Ann Hampton Callaway, Popa Chubby y Gotan Project

SKA CON DENOMINACIÓN DE ORIGEN Y 'ELECTROTANGO'
(publicado el 25 de julio de 2007)

La Jazz Band Ball de anoche fue un auténtico crisol de estilos musicales y de intérpretes llegados de las más diversas partes del planeta. Las propuestas que mayor número de adeptos congregaron fueron las programadas en el Escenario Verde de la Zurriola, donde los jamaicanos de The Skatalites ofreció su ración de ska con denominación de origen y Gotan Project acercó el tango y otros ritmos tradicionales argentinos a la música electrónica.

ska, ska, ska Más de 40 años avalan la trayectoria de una formación que se vanagloria de haber inventado los ritmos que siempre se asocian a la isla que vio nacer a Bob Marley: "El ska, el rock steady el reggae. Todo ello comenzó con The Skatalites, la banda más grande de Jamaica", dicen ufanos. El grupo saltó ayer a la arena de la Zurriola para dejar patente por qué la sombra que proyecta es tan alargada que llega desde su fundación a principios de los 60 hasta nuestros días.

La formación original de The Skatalites sólo duró 18 meses: el grupo se disolvió en 1965 después de que su líder, el legendario trombonista Don Drummond, asesinara a su novia y fuera internado en un manicomio donde falleció poco después. Desde entonces el grupo se ha reunido en numerosas ocasiones aunque hoy día sólo quedan tres de sus miembros fundadores: el batería Lloyd Knibb, el saxofonista Lester Ska Sterling y la vocalista Doreen Shaffer.

Acompañados por nuevos jóvenes y no tan jóvenes integrantes, los jamaicanos lograron de inmediato la complicidad de los espectadores que danzaron al ritmo frenético y sincopado que marcaron los jamaicanos. El buen rollo, las camisetas con la bandera de Jamaica y el suave aroma a marihuana presidieron una actuación en la que no faltaron clásicos como Latin goes ska, Guns of Navarone y una versión habitual de su repertorio, Rivers of Babylon , con la que estalló el frenesí del público.

No es baladí la inclusión de The Skatalites en el programa de un festival como el donostiarra, ya que los miembros originales de la agrupación obtuvieron su formación gracias a la fusión de la música caribeña con los ritmos que practicaban los intérpretes de jazz de la isla.

Esa influencia se apreció, sobre todo, en los solos de viento que salpicaron las distintas piezas que con juvenil desenfado interpretaron estos viejos satélites del ska.

lunático trío Al filo de la medianoche, tras el vendaval jamaiquino, llegó otra propuesta marcada por la fusión. Gotan Project, el combo franco-suizo-argentino que forman Philippe Cohen Solal, Christophe Mueller y Eduardo Makaroff, relajó un poco el ambiente con su particular mezcolanza de tango y música electrónica. El trío combina en su túrmix los sonidos y los samplers originados por ordenador con el género que inmortalizó el gran Carlos Gardel y que renovó profundamente el acordeonista Astor Piazzolla. Al margen del bello sonido que resulta de fusionar la informática con instrumentos acústicos típicos como el piano, el violín o el bandoneón, la propuesta de Gotan Project trasciende el ámbito sonoro gracias al audiovisual de la artista multimedia Prisca Lobjoy, que Gotan Project está proyectando en la gira de presentación de Lunático , su último y aplaudido álbum.

los otros escenarios Aunque dicen que sólo Dios posee el don de la ubicuidad, hubo quien pudo disfrutar de varios conciertos a la vez. Uno de los más enérgicos fue el que ofreció el bluesman Popa Chubby, que encandiló a los aficionados al blues con su acercamiento a otros géneros como el rap, el hip hop y el rock.

El orondo rey del blues neoyorquino, que cubría su calva con un pañuelo rojo y lucía aparatosos tatuajes en sus brazos, inició la actuación en clave totalmente eléctrica y brincó al respetable una lección magistral de blues que subió la temperatura de la noche.

La oferta la completó Ann Hampton Callaway, cuya dulce voz ha capturado la esencia de las obras maestras del cancionero americano de jazz. Salió al escenario bajo un sol de justicia tras la breve introducción realizada por su trío de corte clásico, flirteó con su maestra Billie Holiday y Ella Fitzgerald y protagonizó algunos devaneos operísticos. Una de las primeras piezas que abordó fueCome rain or come shine que ya cantó en el último filme de Robert De Niro El buen pastor . Se sintió tan a gusto que incluso amenazó con cancelar su vuelo a Nueva York previsto para mañana (por hoy).

La banda francesa Gypsy Swing convenció con su mezcla de swing y de música de los gitanos europeos. El recuerdo a Django Reinhardt y Stefan Grapelli planeó sobre la carpa Heineken, donde reinaron los ritmos del Este.

En una línea más electrónica, la Jazz Band Ball también ofreció las sesiones de David Walters, que sorprendió con su repertorio de ritmos electrónicos impregnados de sabor afrocaribeño, y del berlinés Daniel Haaksman, DJ que convierte en bailable todo lo que pincha.

Jazzaldia (I)

Amama Luisa Brass Band, Wagon Cookin' y DJ Solal

LOS FOGONES DEL JAZZALDIA YA ECHAN HUMO
(publicado el 24 de julio de 2007)

El pertinaz chubasco que azotó la ciudad en la mañana de ayer hacía presagiar lo peor: una inauguración pasada por agua. Pero los responsables del Jazzaldia parecían tranquilos y confiados en que el pronóstico meteorológico se cumpliera y las nubes se retiraran al cabo de unas pocas horas. A mediodía, sus deseos -y los de las miles de personas que durante siete días abarrotarán los distintos escenarios del festival- se hicieron realidad. Cesó la lluvia y todo siguió según el guión previo.

sabor a dixieland Un poco antes de la hora prevista, las 19.30 horas, el edificio del Centro Internacional de Cultura Contemporánea fue testigo del original inicio de la 42ª edición del Jazzaldia. Como no podía ser de otro modo en un festival cuyas actuaciones tienen lugar al aire libre, la calle adquirió el máximo protagonismo en la jornada inaugural. Desde Tacalera partió la animada kalejira musical de Amama Luisa Brass Band, vieja conocida del certamen que conquistó la complicidad de los viandantes que se vieron sorprendidos por su sonido, deudor del que practicaban las orquestas callejeras de Nueva Orleans de los años 20.

El Puente de María Cristina, el Buen Pastor, la Avenida de la Libertad, Alderdi Eder o el Paseo de la Concha. En todos esos lugares no faltaron los melómanos que quisieron revivir la frenética época del dixieland y se sumaron a la festiva comitiva que también practicó la fusión con otras músicas como el rhythm & blues, el funk o el soul.

Al filo de las 21.00 horas, el desfile llegó a su destino, el Peine del Viento, un escenario nuevo para el Jazzaldia. La organización ha decidido incluirlo en el programa para festejar los 30 años de la instalación de las esculturas más célebres de Eduardo Chillida. Y visto el éxito de la jornada de ayer, sería aconsejable que en el futuro el espectacular espacio escultórico figurara en la lista de escenarios del festival.

todos a bailar Wagon Cookin', el ecléctico proyecto musical de Javier y Luis Garayalde, convivió durante algo más de una hora con las tres abigarradas esculturas de acero cortén del artista donostiarra. Los dos hermanos, hijos del insigne saxofonista navarro Javier Garayalde, aparecieron en el escenario embutidos en sendos buzos blancos, el mismo color que vestían los eléctricos cantantes de negra voz, Xantone Blacq, Sheilah Cuffy y Marta Ruiz.

Varios cientos de espectadores se dieron cita en el lugar para degustar los manjares electrónicos que llevan preparando desde que en los 90 descubrieran que fusionar jazz y música de baile en la misma receta puede resultar cardiosaludable. Hace ya unos años que empezaron a cocinar su propuesta a fuego lento en la Sierra de Gredos, en el interior de un vagón de tren -de ahí el nombre del grupo- que ayer se detuvo en la estación del Peine del Viento.

Atrincherados tras su cacharrería electrónica, dieron a probar a los comensales algunas cucharadas de su última delicatessen, 2Faces , un álbum doble cuya cara A contiene sonoridades más centradas en el jazz, mientras que la B es más electrónica y bailable. Bajo esa premisa transcurrió la actuación que, como principal sorpresa, incluyó la participación del padre de las criaturas , Javier Garayalde. Aunque no estaba previsto que anoche soplase el saxo en Donostia, el veterano músico navarro alternó el tenor y el soprano durante la parte jazzy del bolo, y mostró una total compenetración con sus retoños, a pesar de pertenecer a tradiciones musicales distintas.

En la segunda parte del concierto, el saxofonista se retiró a un segundo plano para dejar que Wagon Cookin' desplegara su indudable potencial como máquina de baile. Costó un poco que el público entrase en calor, pero los samplers, las bases programadas y el sonido de los teclados y la percusión pusieron en danza a la concurrencia. El buen hacer de los vocalistas y su agitadora labor de animación hicieron el resto.

primer asalto de solal La tenue lluvia que pasadas las 22.00 horas comenzó a caer sobre la ciudad no consiguió arruinar el primer asalto de Philippe Cohen Solal, que esta noche volverá a actuar, pero en compañía de sus colegas de la banda Gotan Project. Anoche lo hizo junto al guitarrista Filip Wauters, que acompañó con la slide guitar los sonidos pregrabados del DJ galo. El público no tardó en morder el anzuelo de una peculiar propuesta que arrancó con los ritmos del mítico hit de Neil Young, Heart of Gold , pasado por el tamiz electrónico de Solal.

Jazzaldia (Prólogo)

'Jazztinencia'

Han pasado cinco días desde que Donostia dejara de sonar a jazz. Fue una semana musicalmente intensa, feliz y dura para quienes asistieron y cubrieron el Jazzaldia, y aunque algunos deseaban que finalizara tanto trajín, el mono ya se deja sentir... Sería magnífico que este mismo lunes, sin aguardar hasta julio de 2008, comenzara la 43ª edición del certamen, pues el público amnésico y los programadores oportunistas se olvidarán del jazz hasta el año que viene. Afortunadamente, los verdaderos aficionados pueden combatir el síndrome de jazztinencia pinchando discos en sus hogares o frecuentando los escasos garitos que la ciudad destina a la música improvisada: Altxerri y Branka. Porque el jazz, amigos, es más que un festival de siete días.

NOTA: En los próximos días, aparecerán colgadas en el blog las fotos de algunos de los conciertos más memorables de la 42ª edición del Jazzaldia donostiarra.

XXV aniversario de 'Blade Runner'

Ridley Scott

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. He visto a un cineasta dirigir joyas como el clásico Los duelistas o la insuperable Alien. He admirado su buen hacer en títulos como el efectivo thriller Black rain y la entrañable road movie Thelma y Louise. Pero también he visto al mismo realizador perpetrar bodrios tan infectos como La teniente O’Neil, Black Hawk derribado o Hannibal. Estos días se cumplen 25 años del estreno de su ópera magna, Blade runner, que parece perdida en el tiempo como una bella lágrima en la lluvia de una filmografía mediocre. Mientras esperamos ansiosos su reedición en DVD, sólo cabe preguntarse quién demonios dirigió las mejores películas de un director, Ridley Scott, que lleva quince años sin levantar cabeza.

X Aniversario de la muerte de Jeff Buckley

Una década sin Jeff

Estos días se cumplen diez años del fallecimiento de Jeff Buckley. Antes de morir ahogado, había grabado 'Grace', su único álbum de estudio, un trabajo magistral que bien podría haber sido el primero de una larga y genial carrera

Cae tarde en Memphis y un barco remolcador surca las claras aguas del río Wolf. Jeff se aproxima a la orilla mientras su amigo lo observa atentamente. "Keith, quiero darte algo como prueba de mi amistad", le dice. Éste responde: "Jeff, no quiero nada". "¡Pues entonces déjame darte un abrazo!", replica. Rodea a Keith con sus brazos y enciende el radiocasete. Mientras suena Whole Lotta Love , Jeff se introduce en el afluente del legendario Mississippi para nadar. Lo hace cantando y sin despojarse de la ropa ni de sus botas. Keith retira el radiocasete de la orilla para ponerlo a salvo del oleaje generado por el remolcador. Y súbitamente se percata de que no hay rastro de su compañero. Lo llama, rastrea las inmediaciones, pide ayuda. Pero el esfuerzo es en vano.

Aquella aciaga tarde, el 29 de mayo de 1997, fue la última vez que Jeff Buckley fue visto con vida. El rumor de suicidio corrió como un reguero de pólvora en Internet y las autoridades lo dieron por "desaparecido". Seis días después, el 4 de junio, su cadáver descompuesto fue descubierto río abajo, al pie de Beale Street, la cuna de la música blues. Lo reconocieron, según cuentan las crónicas de aquellos días, por el piercing que lucía en el ombligo.

Acaban de cumplirse diez años desde que el río Wolf ahogó la voz de uno de los músicos más influyentes de la escena rock de los 90. Nada sería lo mismo, musicalmente hablando, sin Grace , el único disco de estudio que grabó el californiano, hijo de otro ilustre cantautor, Tim Buckley, que también falleció prematuramente, a consecuencia de un mal viaje que le procuró el consumo de heroína.

los comienzos

La guitarra de la abuela

"La música nunca se acaba y, aunque he oído cosas de tantos lugares distintos y me he enamorado innumerables veces de tantos tipos de música, sigue habiendo algo que creo que se llama simplemente libertad", aseguraba Jeff Buckley en una sobrecogedora entrevista incluida en el making off de Grace . En alguna otra ocasión había declarado: "La música debería ser libre y penetrante, debería arrastrarte".

Y es que la libertad es el concepto sin el cual sería imposible entender la breve pero intensa obra de un autor que se apoyó en referencias tan diversas como Led Zeppelin, Nina Simone o Nusrat Fateh Ali Khan para desarrollar un estilo personal.

Cuenta Buckley que la música le sedujo cuando era niño. Tenía sólo cinco años cuando descubrió que su abuela guardaba una guitarra acústica en casa. "Estaba ahí, sin nombre, como si mi abuela albergara la esperanza de que alguno de sus hijos empezara a tocarla. Pero allí se quedó hasta que crecieron. Y entonces la encontré, y comencé a rasgar sus cuerdas", decía.

Y no paró de hacerlo hasta el día en que dejó de respirar. Cuando era un simple adolescente daba conciertos en garitos de mala muerte de Los Ángeles, y en 1990 se trasladó a Nueva York donde acaparó la atención del público con sus actuaciones en locales vanguardistas como el café Sin-é de Greenwich Village. Fue en ese lugar donde atrajo la atención de los ejecutivos de Columbia, que en 1993 le produjo un EP de cuatro temas en los que, como era habitual, Buckley aparecía con la única compañía de su guitarra y su imponente voz, capaz de abarcar hasta tres octavas. Una voz que en unas ocasiones sonaba desgarradora y en otras angelical y con reminiscencias operísticas.

su único álbum de estudio

Un disco en estado de 'gracia'

El único álbum de estudio que pudo grabar antes de su prematuro deceso, Grace , es una de las obras capitales del rock de los 90. Quizá la siguiente afirmación sea un exceso, pero las diez canciones del disco que Columbia publicó en 1994 ha cambiado la vida y la música de quienes han tenido la gracia de escucharlas.

Junto al bajista Mick Grondhal y el batería Matt Johnson como principales protagonistas, pergeñó un disco mágico, inclasificable y único. Contiene piezas tan bellas como Hallelujah , versión mejorada del clásico de Leonard Cohen donde aparecen versos distintos a los que el canadiense grabó en su álbum Various Positions . Incluye temas en los que planea el espíritu de su admirada Nina Simone -Lilac Wine -, rarezas como Corpus Christi Carol -un villancico de Britten- y canciones tan conmovedoras como Grace o Lover, you should've come over . Hay otras de inquietante carácter premonitorio como Eternal life , cuya letra reza: "Ahora la vida eterna me sigue de cerca / Ya tengo un ataúd rojo y reluciente, tío, a falta del último clavo".

"Las canciones surgen de poemas y, a veces, éstos surgen de los sueños, de la realidad o de algo que quieras expresar", decía Buckley sobre sus composiciones, capaces de aparecer como un torrente sonoro y explosivo o arrulladoras como una dulce nana. Él mismo declaró una vez en un concierto presenciado por sus admirados Jimmy Page y Robert Plant, de Led Zeppelin: "La música debe ser como hacer el amor: unas veces te apetece suave y tierno y otras fuerte y agresivo".

tras la muerte de buckley

¿Oportunismo o tributo?

El segundo disco de Buckley iba a llamarse My Sweetheart the Drunk . Había registrado algunas piezas con el productor Tom Verlaine, pero no estaba satisfecho con el resultado e iba a regrabarlo cuando falleció ahogado en 1997. Su madre, Mary Guibert, publicó las maquetas de ese trabajo inacabado en un disco doble y ha ido supervisando la edición de diversos álbumes en directo y de otros con piezas inéditas -Mystery White Boy (2000), Live a L'Olympia (2001) o The Grace EPs (2002)- que, por un lado, despiertan acusaciones de oportunismo y, por otro, sacian las ansias de los fans de Buckley, ávidos de devorar hasta la última migaja que grabó su malogrado ídolo.

¿Buckley en el siglo XXI?

¿Se imaginan qué tipo de música estarían haciendo ahoramismo tipos como Jim Morrison, Janis Joplin o Kurt Cobain si su prematuro fallecimiento no les hubiera impedido continuar dedicados a lamúsica? Piénsenlo durante unos momentos y después formúlense la misma pregunta con relación a Jeff Buckley, otro mito que, siguiendo la pauta de James Dean, vivió deprisa, murió joven y dejó un bonito cadáver. ¿Su mente inquieta le habría inclinado hacia su apreciada música jazz o habría flirteado con la electrónica? La sombra del joven californiano es alargada, como demuestra la influencia plasmada en solistas y bandas como Coldplay, Travis o RufusWainwright, entre otros. Andy Wallace, productor de Grace, tiene su propia y particular respuesta: “Si hubiera vivido habríamos visto en él a un artista de largo recorrido, con una evolución y un cambio continuos. No habría hecho otro Grace, sino otros grandes discos. Hay pocos artistas que dan realmente la sensación de que su carrera pueda durar 20 años, produciendo trabajos variados y de estilos diferentes. Sin duda, Jeff habría formado parte de ese grupo de personas”.

Juan Echanove en el Victoria Eugenia

'Plataforma' de provocación